Arte estadounidense: todos los movimientos artísticos de EE. UU. (2024)

Resumen del arte americano

La rica historia artística de los Estados Unidos se extiende desde las primeras culturas indígenas hasta la globalización más reciente del arte contemporáneo. Siglos antes de los primeros colonizadores europeos, los pueblos nativos americanos habían elaborado objetos rituales y utilitarios que reflejaban el entorno natural y sus creencias. Tras la llegada de los europeos, los artistas recurrieron a las tendencias europeas en el retrato y la pintura de paisajes para elaborar representaciones de la nueva tierra, pero no fue hasta mediados del siglo XIX.^elsiglo con elEscuela del río Hudsonque se consideraba que los artistas estadounidenses habían lanzado un movimiento cohesivo. A principios del siglo XX, los artistas aún se inspiraban en los estilos europeos.primer planopero cada vez más centrado en los habitantes de los centros urbanos estadounidenses y el medio oeste más rural. Después de la Segunda Guerra Mundial, los artistas que componían laexpresionista abstractomovimiento encontró fama y notoriedad internacional, y por primera vez, la influencia artística estadounidense se trasladó al extranjero, y más tardeminimalismoyArte popimpactó mucho en el mundo del arte. Posteriormente, con varios centros de arte globales y conexiones internacionales, ahora es más difícil señalar una tendencia de arte estadounidense específica, aunque todavía se puede rastrear la influencia de los artistas estadounidenses en la esfera del arte global.

Ideas clave y logros

• Si bien los colonizadores europeos no las reconocieron originalmente, las creaciones artísticas de las tribus nativas americanas fueron variadas y mantenidas durante mucho tiempo. Abundante en varios medios y estilos, el arte nativo americano abarcó lo decorativo, lo utilitario y lo ritual. Incorporando estilos y materiales europeos en el 19^elsiglo, los artistas nativos americanos transformaron temas y procesos tradicionales para contar sus historias y continúan haciéndolo hoy.
• A medida que el territorio de los Estados Unidos crecía durante el siglo XIX^elDebido a la anexión de tierras, tanto la pintura como la fotografía impulsaron las ideas del destino manifiesto sobre el excepcionalismo estadounidense y las nociones románticas de identidad nacional. Grandes pinturas de paisajes que representan el oeste americano capturaron la sublimidad del paisaje natural, y la fotografía en particular fue fundamental en algunos casos en la creación de parques nacionales.
• Para muchos historiadores del arte, la designación de "arte estadounidense" generalmente terminaba en la Segunda Guerra Mundial. Tras el reconocimiento internacional del expresionismo abstracto, el mundo del arte se volvió cada vez más globalizado y difuso, con estilos y tendencias practicados en todos los rincones del mundo, pero estudios recientes se han centrado en los diálogos transnacionales que se están produciendo ahora y los rastrean para crear un contexto más rico. comprensión del arte de los Estados Unidos.

Los artistas y obras importantes del arte estadounidense

Progresión del arte

Arte americano (principios de 1900)

Arte nativo americano

Antes de que los europeos colonizaran América del Norte, florecieron ricas y complejas tradiciones artísticas entre muchas tribus indígenas que habían desarrollado un vocabulario muy estilizado que empleaba patrones geométricos complejos y formas casi abstractas que evocaban el mundo natural y simbolizaban historias ancestrales y mitológicas. Los objetos eran a menudo utilitarios y, al mismo tiempo, estaban imbuidos de un significado ritual. Sin embargo, los colonos recién llegados al este de los Estados Unidos vieron esas tradiciones principalmente como curiosidades o artes y oficios, mientras aspiraban a las tradiciones y valores culturales de las bellas artes británicas. Los artistas nativos americanos adaptaron los nuevos materiales y técnicas traídos por los colonos, incluidos el bordado floral, las cuentas y la orfebrería.

Al mismo tiempo, algunos artistas indígenas desarrollaron un estilo europeo para representar temas nativos. David Cusick, un artista Tuscarora, publicó suBosquejos de la historia antigua de las seis nacionesen 1828 y, junto con su hermano Dennis, un acuarelista, estableció la Escuela Realista Iroquesa. El primer movimiento de arte nativo americano incluyó a más de 25 artistas iroqueses, que emplearon el dibujo, la pintura y el grabado para representar de manera realista las creencias, la historia, la moda y el estilo de vida de su tribu. Edmonia Lewis, de Mississauga Ojibwe y descendencia afroamericana, se hizo conocida internacionalmente por suneoclásicoescultura, comoLa muerte de Cleopatra(1876), expuesto en la Exposición del Centenario de Filadelfia. A principios del siglo XX, el arte nativo americano comenzó a recibir atención nacional e internacional. The Kiowa Six, Spencer Asah, James Auchiah, Jack Hokeah, Stephen Mopope, Lois Smoky y Monroe Tsatoke, fueron célebres por sus dibujos de Ledger que empleaban áreas planas con contornos fuertes de colores llamativos. El grupo expuso en la Primera Exposición Internacional de Arte de 1928 en Praga y en la Bienal de Venecia de 1932.

Arte de la gente

Gran parte del arte popular estadounidense es de naturaleza utilitaria, ya que las esculturas eran principalmente mascarones de proa para barcos, veletas y lápidas talladas, pero también se hicieron bordados enmarcados y pinturas de terciopelo para la decoración de paredes. Los primeros pintores populares estadounidenses fueron llamados limners, del término limning, que significa "delinear con detalles claros y nítidos". A menudo autodidactas, los pintores viajaban de pueblo en pueblo y se ganaban la vida ofreciéndose a pintar cualquier cosa, desde letreros para comerciantes locales hasta implementos agrícolas y carruajes. A medida que las colonias reflejaban los valores culturales británicos que veían el retrato como un signo de posición social, los retratistas de bellas artes como la francesa Henrietta Johnston, que emigró a Charleston, Carolina del Sur alrededor de 1705, gravitaron hacia las ciudades, mientras que los pintores hicieron posible la vida ordinaria. gente de pueblos pequeños para que les pintaran sus retratos. Con colores audaces y delineados sin modelar ni sombrear, las representaciones de arte popular a menudo eran íntimas y mostraban al modelo con algunos objetos que tenían un significado personal. Comenzando su carrera como limner, Edward Hicks se hizo famoso por suEl reino pacífico(1829-31), una obra que expresó sus valores cuáqueros en un estilo folclórico dinámico. El arte popular también se basó en las tradiciones afroamericanas; en la década de 1880, Harriet Powers, una exesclava, comenzó a exhibir sus edredones, representando poderosas narrativas en colores llamativos y formas y patrones geométricos.

arquitectura americana

Después de la Guerra Revolucionaria, cuando la joven nación estaba construyendo su identidad, la arquitectura estadounidense temprana se inspiró en los británicos yneoclásicoarquitectura. Basado en el trabajo y la teoría delRenacimiento venecianoarquitecto, Andrea Palladio, el neoclasicismo fue el estilo arquitectónico dominante en 18^es-Europa del siglo. Thomas Jefferson, el tercer presidente de los Estados Unidos, también fue un arquitecto innovador, y su diseño para Monticello (1772-1809), su hogar en Virginia, ejemplificó el estilo neoclásico, empleando un pórtico palladiano con cuatro columnas de colores. Durante su presidencia, sus ideas también influyeron en los diseños de Benjamin Henry Latrobe del edificio del Capitolio de los EE. UU., lanzando lo que se conoció como el estilo federal, preferido para los edificios oficiales.

Desarrollada alrededor de 1830 en el contexto del Neoclasicismo, la arquitectura Beaux-Arts rechazó la formalidad del Neoclasicismo para incorporar elementos deRenacimiento,Barroco, y Tardearquitectura gótica. En los Estados Unidos, el estilo Beaux-Arts, dirigido por Richard Morris Hunt, se conoció como el "Renacimiento estadounidense" o "Clásico estadounidense". Hunt promovió activamente el estilo popular, que se empleó en diseños de mansiones privadas y edificios públicos, incluida la Casa Biltmore (1889-1895) construida para el magnate George Vanderbilt. en el 20^elsiglo, los arquitectos americanos de Bellas Artes volvieron a diseños menos ornamentales y clásicos, ejemplificados por Henry Bacon y el Monumento a Lincoln de Daniel Chester French (1914-22).

A partir de 1890 e influenciado por los británicosmovimiento de artes y oficiosyjaponismo, el muy influyenteArt NouveauEl movimiento presentaba motivos florales orgánicos y fluidos. Los arquitectos Art Nouveau vieron el edificio, sus espacios interiores y los detalles como un todo unificado.Louis Comodidad Tiffany,Luis Sullivan, yFrank Lloyd Wrightfueron influenciados por el Art Nouveau. El edificio Wainwright de Sullivan (1891) usó un friso con un motivo decorativo de follaje de hojas de apio, enjutas decorativas y una puerta de entrada elaborada. Tales motivos arquitectónicos se hicieron populares para los rascacielos y edificios altos, como se ve en el edificio Decker de Nueva York (1892). Más tarde, en el 20^elsiglo,Arte decose adaptó a proyectos de Obras Públicas y edificios icónicos como el Edificio Chrysler de William Van Alen (1930).

A partir de 1914, laEstilo Internacionalhizo hincapié en el uso de acero, vidrio y hormigón. Surgido durante las secuelas de la Primera Guerra Mundial y visto como un reflejo de la era moderna, a menudo se usaba para viviendas de posguerra. Los arquitectos austriacos Richard Neutra y R.M. Schindler introdujo el estilo cuando se mudaron a Estados Unidos en 1910 y trabajaron con Frank Lloyd Wright. Aunque ambos hombres crearon notables edificios de estilo internacional, como se ve en Lovell Health House (1929) de Neutra, la estética no floreció realmente en los Estados Unidos hasta después de la Segunda Guerra Mundial, cuando la expansión económica condujo a un auge en la construcción de rascacielos. Arquitectos destacados, incluidoswalter gropius,Marcel Breuer, yLudwig Mies van der Rohe, llegó a los Estados Unidos en el período de posguerra y enseñó a una nueva generación de arquitectos estadounidenses, mientras diseñaba edificios notables. Mies, por ejemplo, construyó el Edificio Seagram (1954-58) en Nueva York y el campus del Instituto de Tecnología de Illinois en Chicago (terminado en 1956). El Estilo Internacional, con sus cortinas de vidrio y construcción industrial, también se usó para restaurantes de comida rápida y gasolineras cuando Estados Unidos emprendió la construcción de nuevas carreteras interestatales, conectando el país de costa a costa.

A partir de 1950,Brutalismo, también llamado Nuevo Brutalismo, era un estilo de arquitectura masiva que empleaba principalmente hormigón prefabricado sin terminar. El estilo se hizo popular en los edificios de los campus universitarios, los lugares de artes escénicas, las bibliotecas, los edificios gubernamentales y las oficinas corporativas en todo Estados Unidos. Paul Rudolph fue uno de los principales defensores del estilo, como se ve en su Yale Art and Architecture Building (1958). Debido al entusiasmo estadounidense por el estilo, los arquitectos europeos lo adoptaron en sus principales encargos;le corbusierconÓscar Niemeyer, Wallace Harrison y Max Abramovitz diseñaron la sede de las Naciones Unidas (1948-52), yMarcel BreuerTrabajó con varios equipos de arquitectos estadounidenses para diseñar el ayuntamiento de Boston (1963-68). El Breuer Building de Breuer y Hamilton Smith (1966), hogar del Museo Whitney de Arte Americano y más tarde un Museo Metropolitano ampliado, también fue un diseño brutalista que marcó tendencia.

Escuela del río Hudson (1826-70)

ElEscuela del río Hudson, dirigido porTomas Cole, que nació en Gran Bretaña pero emigró a los Estados Unidos cuando tenía diecisiete años, fue el primer movimiento artístico estadounidense reconocido. Centrados en la parte superior del estado de Nueva York, que entonces era un desierto, los artistas asociados con el movimiento enfatizaron la belleza sublime y única del paisaje estadounidense. Influenciado pordel romanticismoconcepto delo sublimeydel naturalismoénfasis en los detalles precisos observados, los paisajes de Cole comoKaaterskill Upper Fall, Montañas Catskill(1825) yLago Dunlap con árboles muertos (Catskill)(1825) representó escenas americanas para evocar las posibilidades ilimitadas de la nueva nación.

Tras la muerte de Cole en 1848,Asher B Durand, influenciado por los francesesEscuela de Barbizon, marcó el giro hacia una pintura más naturalista. Los artistas, las artistasIglesia de Federico Edwin,Alberto Bierstadt,Juan Federico Kensett,Jorge Inness, yTomás Moránformó la segunda generación. Sus obras se hicieron enormemente populares, ya que la exposición de una sola pintura panorámica podía atraer a miles de visitantes. En la década de 1860, cuando el Destino Manifiesto con su llamado a ir al Oeste se convirtió en una fuerza nacional dominante, Bierstadt y Moran dirigieron su atención a los panoramas del espectacular paisaje occidental y, junto con William Keith y Thomas Hill, a veces se les llamó la Escuela de las Montañas Rocosas. . Sus obras también inspiraron e informaron el movimiento para preservar las maravillas naturales de Estados Unidos, incluidos los parques de Yellowstone y Grand Tetons. Alternativamente, la escala íntima y el sentimiento de las obras de George Inness comoEl valle de Delaware(c. 1863), y las representaciones de la luz que se refleja en cuerpos de agua de John Frederick Kensett desempeñaron un papel pionero en el desarrollo de lo que más tarde se denominó luminismo.

Luminismo (1850-75)

El términoluminismofue desarrollado por historiadores del arte en la década de 1950 para identificar un estilo que floreció entre 1850 y 1870 entre varios paisajistas estadounidenses. Se basaron en una serie de influencias, incluida la pintura de paisaje de laEdad de oro holandesa, la fotografía y los paisajes de género de George Harvey, William Sidney Mount y George Caleb Bingham. John Frederick Kensett, quien lideró el movimiento, enfatizó el paisaje mismo, con muy poca o ninguna presencia humana; se centró en el juego de la luz y la atmósfera sobre un cuerpo de agua, como se ve en suVista del río Shrewsbury, Nueva Jersey(1859). En lugar de explorar nuevas vistas y paisajes escarpados, cada uno de los luministas se asoció con un lugar en particular, ya que el artista volvió a las mismas escenas, pintando la luz y la atmósfera cambiantes de un día a otro o de una estación a otra. Los luministas, que incluían a Kinsett, Fitz Henry Lane, Jasper Francis Cropsey, Sanford Robinson Gifford y Martin Johnson Heade, preferían obras íntimas a pequeña escala que enfatizaban la comunión del individuo con la naturaleza, reflejandoRalph Waldo EmersonyHenry David Thoreaufilosofía detrascendentalismo, que sostenía que la verdad espiritual se revelaba en la contemplación de la naturaleza.

Tonalismo (1870-1915)

tonalismosurgió a principios de la década de 1870 enJames McNeill Whistler´sseries denocturnosque enfatizaba las armonías tonales, a menudo en verdes apagados, azules y colores oscuros, para representar paisajes al atardecer. De obras como su famosa y controvertidaNocturno en negro y dorado: El cohete que cae(c.1875), Whistler dijo: "Un nocturno es un arreglo de línea, forma y color primero", pero también sintió que las armonías tonales eran el equivalente visual de las composiciones musicales. Nacido en Estados Unidos, Whistler vivió la mayor parte de su vida en Gran Bretaña, donde desempeñó un papel pionero en una serie de movimientos, entre ellosjaponismo, elMovimiento Estético, y la estética anglo-japonesa. tonalistasJorge InnessyAlbert Pinkham Rydertambién fueron influenciados por laEscuela de Barbizon. Usando tonos dorados y marrones para representar un paisaje al amanecer o al atardecer, Inness enfatizó la expresión espiritual en obras comoAmanecer(1887), mientras que Ryder a menudo introducía un elemento narrativo mitológico en sus paisajes misteriosos que eran precursores deSimbolismo. En 1899, Henry Ward Ranger fundó Old Lyme Colony en Connecticut, viéndolo como un "Barbizon estadounidense". Una segunda generación de tonalistas, incluidos Allen Butler Talcott, Henry Cook White, Bruce Crane, William Henry Howe, Louis Paul Dessar y Jules Turcas, se unió a la colonia artística. en 1903chiquillo hassamse unió a la colonia y retomó brevemente el estilo antes de abandonarlo en favor del impresionismo estadounidense.

Impresionismo americano (1880-1920)

Impresionismo americanofue principalmente inspirado e influenciado por elImpresionistas franceses, incluidoClaude Monet,Pierre August Renoir, yalfredo sisleyentre otros, que expusieron juntos por primera vez en París en 1874. El impresionismo francés influyó tanto en los expatriadosJohn Singer SargentyJames McNeill Whistler, aunque ninguno abrazó completamente el movimiento.María Cassattse convirtió en el primer impresionista conocido de Estados Unidos. Tras mudarse a París en 1866, se hizo muy amiga deEdgar Degasy se asoció y exhibió con muchos de los principales impresionistas. Sus obras, llenas de colores vibrantes, pinceladas expresivas, a menudo retrataban reuniones íntimas en ambientes burgueses relajados, así como muchas representaciones de una madre y un hijo, y fueron enormemente populares en los Estados Unidos. En 1883, la primera exposición estadounidense de los impresionistas franceses Monet, Renoir, Pissarro y Manet influyó en los artistas.William Merrit Chase,chiquillo hassamy Edmund C. Trabell. Varias colonias de artistas prósperas dedicadas al impresionismo estadounidense se desarrollaron en todo el país.

Arte americano (1900-1950)

Escuela Ashcan (1900-15)

La escuela Ashcanera un grupo de artistas que incluíaJuan Sloan,Jorge Lucas,Everett Shinn, yGuillermo James Glackens, todos los estudiantes deRoberto Enrique, entonces ubicada en Filadelfia. Basándose en maestros anteriores, incluyendoDiego Velázquez,Francisco de Goya, y el posteriorrealistascomoEduardo Manet, el grupo empleó métodos clásicos para crear escenas realistas y descarnadas de la vida moderna de la clase trabajadora, o lo que Henri llamó "arte por el bien de la vida". Después de que el grupo se mudó a la ciudad de Nueva York, siguió una segunda generación de artistas, incluidosfuelle george, cuyoDecepciones del basurero(1915) le dio su nombre al movimiento. En 1908, Edwin Lawson, Arthur B. Davies yMauricio Prendergastse unió al grupo central, conocido como The Eight, ya que formaron su propia exhibición en oposición al entonces dominante sistema de exhibiciones con jurado de la Academia Nacional de Diseño. Usando pinceladas gestuales y una paleta de colores oscuros, los sujetos no idealizados de los artistas los alinearon con una innovadora sensibilidad moderna, que influyó en los últimosrealismo socialel movimiento y los artistasedward tolvayben shahn. Sloan y Henri también enseñaron e influyeron en muchos de los artistas de laEscuela de la calle catorce.

Fotografía: pictorialismo, fotografía directa y más allá (1902-presente)

Fotografía moderna, que surgió de las exploraciones científicas de la botánica, la arqueología y el movimiento, incorporó una gran cantidad de estilos artísticos.Pictorialismofue un movimiento fotográfico internacional que utilizó manipulaciones de cuarto oscuro, imágenes compuestas, escenas posadas y puestas en escena, y enfoque borroso y suave para enfatizar la expresión individual. Comenzando en Gran Bretaña en la década de 1840, a mediados de la década de 1880, el pictorialismo se había convertido en un movimiento floreciente. En 1902 en Nueva York,Alfredo StieglitzyEduardo Steichenabogó por la importancia de la fotografía y lanzó la revistaTrabajo de cámaraen 1903 y Las pequeñas galerías de la foto-secesión en 1905.

Fotografía recta, enfatizando la tecnología de la cámara en sí, rechazó el pictorialismo en favor de imágenes nítidamente enfocadas ricas en detalles. En 1907, Stieglitz en sus fotografías comoLa tercera clasecomenzó a explorar la imagen "directa" sin una pose previa del sujeto o el uso posterior de manipulaciones en el cuarto oscuro. Influyó en una serie de destacados fotógrafos y promovió ardientemente las obras dePablo Stranden una edición de 1917 deTrabajo de cámara. Muchos de estos trabajos emplearon primeros planos con recortes ajustados para enfatizar formas y patrones casi abstractos, como se ve en Strand'sSombras de porche(1916). Straight Photography se convirtió en una tendencia dominante que continúa hasta el día de hoy.

El énfasis enabstractoel patrón y la forma influyeron en el desarrollo deFotografía abstracta, que comenzó en 1916 con Alvin Langdon CoburnVortógrafos(1916). Stieglitz lo llamó la "estrella más joven" del grupo Photo-Secession, y Coburn comenzó a explorar imágenes abstractas ya en 1912. Tanto Paul Strand como Stieglitz explorarían también la abstracción cercana.

En 1931,Eduardo Weston,imogen cunningham,ansel adams, y Willard Van Dyke formaronGrupo f/64en San Francisco. El movimiento enfatizó lo que Van Dyke describió como "fotografía pura... definida como que no posee cualidades de técnica, composición o idea, derivada de cualquier otra forma de arte" e hizo su debut público en una exposición de 1932 en el M.H. Museo de Young. Aunque muchos de los fotógrafos habían comenzado sus carreras como pictorialistas, ahora rechazaban firmemente el énfasis de ese movimiento en los efectos "artísticos" borrosos, las escenas compuestas y las manipulaciones en el cuarto oscuro. Su tema a menudo era ordinario y frecuentemente tomado de la naturaleza, ya que Cunningham se hizo conocido por su serie de flores de Magnolia, Weston por sus imágenes de un solo pimiento verde, Adams por sus imágenes del Parque Yosemite. Group f/64, y en particular Weston y Adams, también revitalizaron la fotografía abstracta, que resurgió en la década de 1940 en las obras de Minor White y Aaron Siskind.

Sincromismo (1912-24)

sincromismoenfatizó las pinturas abstractas que empleaban principalmente la escala de colores para crear una "sinfonía" visual o efecto musical.morgan russellyStanton Macdonald-Wright, ambos jóvenes estadounidenses que viven en París, fundaron la primeraprimer planomovimiento en 1912. Adoptaron las teorías de color de Ernest Percyval-Tudor, un canadiense residente en París, quien creía que doce colores del espectro correspondían a los doce pasos de la escala musical, y Russell acuñó el nombre del movimiento combinando " sinfonía" con "cromo". de russellSincromia en Verde(1913) lanzó el movimiento en el Salon des Indépendants de París de 1913, donde influyó en Lee Simonson, un escenógrafo de teatro modernista, y en John Edward Thompson, quien más tarde se hizo conocido como el "decano del arte de Colorado" por introducir el arte moderno en el área. .

Renacimiento de Harlem (1920 - principios de la década de 1940)

El términorenacimiento de Harlemdefine un período en el que la música, la literatura, el teatro, la pintura y la escultura florecieron dentro de la rica y vibrante cultura del barrio de Harlem en Nueva York. El movimiento, conocido por diversos estilos, celebró el "Nuevo Negro", un concepto propuesto por el escritorAlain Lockeque enfatizó un nuevo sentido afroamericano de dignidad, basado en la igualdad de derechos y conectado con las ricas tradiciones culturales de África y Egipto. Después de la Gran Migración que comenzó alrededor de 1910, cuando muchos afroamericanos abandonaron los estados del sur en busca de mayores oportunidades y libertad en el norte, se desarrollaron comunidades vibrantes en Harlem, Chicago y Filadelfia.Meta Vaux Warrick´sesculturaEtiopía(1921) fue una de las primeras influencias pioneras y un éxito internacional de los primeros artistas afroamericanos.María Edmonia LewisyHenry Ossawa Tannerse convirtió en un modelo definitorio. Trabajando en una variedad de estilos, artistas que incluyenaarón douglas,augusta salvaje,Archibald J. Motley Jr.y el fotografoJames van derzeese convirtieron en figuras destacadas del nuevo movimiento. Su trabajo y enseñanza posteriormente informaron a una generación posterior que incluyójacob lorenzo,Beauford Delaney, yGuillermo H Johnson.

Escuela de la Calle Catorce (1920-40)

En la década de 1950, el términoEscuela de la calle catorcefue desarrollado para definir las obras de Kenneth Hayes Miller, Isabel Bishop ypantano reginaldorealizado en las décadas de 1920 y 1930. Sus sujetos fueron tomados del vecindario de Nueva York alrededor de Union Square y Fourteenth Street. El área, conocida como la "quinta avenida de los pobres", era un centro comercial en ascenso, con grandes almacenes minoristas, cuyas ventas, que presentaban la última moda a precios económicos, atraían a miles de compradores de clase media. Miller, líder del movimiento, comenzó a pintar retratos de mujeres compradoras en la década de 1920. Enseñando en la Art Center League, influyó en Bishop y March, así como enRafael Soyery Edward Laning, quienes también se convirtieron más tarde en miembros del grupo. Influenciado por elRenacimientoyBarrocomaestros, los tratamientos figurativos del grupo a menudo otorgaban una especie de dignidad clásica a las representaciones de compradoras matronas, chicas de oficina y chicas profesionales, que eran vistas como la encarnación de la "Nueva Mujer" y la prosperidad progresiva. Debido al tratamiento realista de la vida moderna, el movimiento se incluye a menudo bajorealismo social, aunque compartió poco del ataque de ese movimiento al statu quo o al interés por el contenido político.

Regionalismo estadounidense (1928-43)

Regionalismo americanono fue un movimiento formado deliberadamente, sino un estilo y enfoque que se desarrolló orgánicamente en las obras deThomas Hart Benton,John Steuart Curry, yotorgar madera. Los tres enfatizaron representaciones realistas de la vida rural y situaciones ordinarias, y cada uno de ellos estaba asociado con una región en particular: Curry con Kansas, Benton con Missouri y Wood con Iowa. Se basaron en una serie de influencias divergentes: Wood fue influenciado por el artista del Renacimiento del Norte Hans Memling, Benton había sido parte del movimiento Synchromist y Curry utilizó su experiencia previa en ilustración, pero su trabajo rechazó constantemente el arte y la abstracción europeos modernos, en a favor de un enfoque figurativo de los temas que reflejaban lo que ellos veían como un espíritu exclusivamente estadounidense. Bosquegótico americano(1930), cuando recibió una medalla de bronce en un concurso del Instituto de Arte de Chicago, lanzó públicamente el movimiento, ya que el trabajo recibió atención nacional en periódicos y revistas. A fines de la década de 1930, cuando el fascismo amenazaba a Europa, la identificación del movimiento con un arte nacionalista fue criticada, aunque otros artistas, incluido el conocido ilustradornormando rockwelly el artistaandres wyethcontinuó retratando escenas realistas de la vida estadounidense común, a menudo conectadas a regiones particulares.

Realismo social (1929 - finales de la década de 1950)

realismo socialse desarrolló orgánicamente entre artistas que enfatizaron las representaciones realistas de la clase baja y trabajadora, a menudo dentro de un entorno urbano, para transformar radicalmente la sociedad. Centrándose en la difícil situación de los trabajadores, los artistas asociados con el movimiento fueron influenciados por los murales deJosé Clemente Orozco, el auge de las organizaciones de derechos laborales y el llamado a los derechos de los trabajadores de organizaciones de izquierda como la Sociedad John Reed. Inicialmente, el movimiento se basó en el optimismo que siguió a las revoluciones mexicana y rusa y fue moldeado aún más por la depresión mundial que comenzó en 1929, así como por el ascenso del fascismo en la década de 1930. Rechazando los movimientos de vanguardia europeos por su aislamiento de los problemas sociales, artistas comoGuillermo Gropper,Hugo Gellért,Max Weber, yMoisésyRafael Soyervio el arte como un arma para luchar contra la explotación capitalista de la clase trabajadora. Los artistas, las artistasben shahn,felipe evergood, yAntonio Bernitambién fueron miembros importantes del movimiento, al igual queaarón douglasyjacob lorenzo, ambos también forman parte de larenacimiento de Harlem. En la década de 1930,WPA-fotógrafos documentales patrocinados, incluidosDorotea Langeycaminante evans, se asociaron libremente con el movimiento, ya que representaban a los pobres de las zonas rurales y el impacto devastador de la Gran Depresión, así como el Dust Bowl que devastó el medio oeste agrícola.

Arte americano (1950-en adelante)

Expresionismo abstracto, pintura de campo de color, abstracción pospictórica y de borde duro (1943-65)

Expresionismo abstractocomenzó a principios de la década de 1940, centrado en Nueva York y dirigido porjackson pollock,Clyfford todavía,willem de kooning,marca rothko, yAdolfo Gottlieb. como lídersurrealistashuyeron de Europa durante la Segunda Guerra Mundial hacia Nueva York, los expresionistas abstractos fueron influenciados por el énfasis del surrealismo en el automatismo, un arte que aprovechaba el inconsciente. Si bien los artistas habían comenzado sus carreras pintando imágenes representativas, avanzaron hacia una mayor abstracción.de peggy guggenheim Galería Arte de este sigloexhibió y apoyó el movimiento emergente, y encargó la monumental e innovadora obra de PollockMural(1943). El críticoclemente greenbergdesempeñó un papel principal en la defensa del movimiento, enfatizando los efectos puramente visuales y abstractos de las pinturas. El expresionismo abstracto, el primer movimiento artístico internacional estadounidense, también estableció efectivamente a Nueva York como el centro del mundo del arte moderno y condujo a una serie de otros desarrollos, que incluyenPintura de campo de color,Pintura de acción,Abstracción pospictórica, ypintura de borde duro.

Color Field Painting, que comenzó a fines de la década de 1940, dirigido porClyfford todavía,marca rothkoybarnett newman, enfatizó el color como un objeto poderosamente expresivo. Los lienzos de Still desplegaban colores llamativos en formas irregulares; Rothko se volvió hacia rectángulos diáfanos de color, y Newman creó pinturas "zip", donde franjas verticales de color se cruzaban con grandes campos horizontales de color. Greenberg defendió la pintura de campo de color, con su énfasis en la planitud y el espacio no ilusionista, como el camino a seguir para la pintura avanzada.

En 1952, un influyente crítico de arteharold rosenbergen su ensayo "The American Action Painters" se centró en el acto del artista al decidir pintar, acuñando así el términoPintura de accióna favor del expresionismo abstracto.franz kline,willem de kooning, yjackson pollockse asociaron con el término, ya que Rosenberg vio que sus obras enfatizaban el evento y el proceso de pintar en sí. Los movimientos espontáneos del artista, las gotas y salpicaduras aleatorias y los gestos enérgicos dieron como resultado una obra que transmitía la acción de la creación de la obra.

En 1964, Greenberg curó la exposiciónAbstracción pospictóricapara el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. La muestra incluyó obras de 31 artistas, entre ellosmorris luisyhelen frankenthaler, así como los artistas de la Costa Oestesam franciscoyJuan helecho.ellsworth kelly,Howard Mehring,Julio Olitski, yKenneth Nolandtambién fueron incluidos. Greenberg escribió que estos artistas "tienen una tendencia... a enfatizar los contrastes de tono puro en lugar de los contrastes de luz y oscuridad... En su reacción contra la 'escritura a mano' y los 'gestos' de la abstracción pictórica, estos artistas también favorecen una ejecución relativamente anónima".La escuela de color de Washington, dirigido por Noland e incluido Gene Davis,morris luis, y Thomas Downing, entre otros, enfatizaron el arte abstracto donde se enfatizaba el color para crear la forma.

Dibujo de los pintores de campo de color,pintura de borde duroera un término que definía una tendencia hacia formas económicas, ejecución impersonal y líneas limpias. En la década de 1950, el crítico de arte californiano Jules Langsner describió la tendencia que usaba "formas [que] son ​​finitas, planas, bordeadas por un borde duro y limpio... Son formas autónomas, suficientes en sí mismas como formas". En la década de 1960, la tendencia también se asoció conAl Held,ellsworth kelly,morris luis,franco estela,Miriam Schapiro, yKenneth Noland.

Alrededor de 1950 en el Área de la Bahía de San Francisco,parque david,Richard Diebenkorn, yElmer Bischoffrechazó la abstracción pura en favor de los temas figurativos.Los pintores del área de la bahíatambién incluyeron a Manuel Neri, Nathan Oliveira y Joan Brown. Muchos de los artistas habían comenzado sus carreras como expresionistas abstractos y conservaron elementos de ese movimiento en sus paisajes y retratos, al mismo tiempo que celebraban la cultura y el paisaje locales.

Además, a mediados de la década de 1950, una serie deSegunda generación de expresionistas abstractos, incluidojack beal,jane freilicher, yNell Blaine, rechazó el movimiento y se volvió hacia el arte figurativo. IncluidoPortero de Fairfield,Alex Katz, yLois Dodd, la vaga asociación de artistas de Nueva York encabezó un nuevo énfasis en el realismo que se conoció comoRealismo Contemporáneo.

Neodadá (1952-70)

A partir de 1952,neo-dadádesarrollado, comojaspe johns,allan kaprow, yRoberto Rauschenberg, comenzó a emplear "readymades", medios de comunicación y performances. Los artistas rechazaron las heroicidades existencialistas relacionadas con el expresionismo abstracto en favor de temas mundanos y desdibujaron los límites tradicionales entre los medios. Influenciados pormarcel duchampydadá, el movimiento tuvo su inicio enColegio de la montaña negraen Carolina del Norte en 1952 e incluyó a Rauschenberg, el coreógrafomercedes cunningham, y el compositorjuan jaula. de la jaulaPieza de Teatro No. 1(1952) ejemplificó el énfasis del grupo en la interacción con la audiencia, los múltiples medios y el papel del azar.

Allan Kaprow creó "ambientes", utilizando esculturascollagespara crear piezas de instalación y luego, después de tomar la clase de Cage, agregar componentes auditivos. Desarrolló el término "happenings" para describir los eventos cuasi-teatrales donde, influenciado porfuturismoconcepto del evento como abrumador todos los límites yde dadáénfasis en el papel del azar, se rompió el límite entre el evento y la audiencia.

MuchosFluirartistas, incluyendoJorge Brecht, Robert Whitman y Robert Watts, estaban interesados ​​en Neo-Dada y los acontecimientos. Fluxus, descrito como un movimiento "anti-arte", tenía objetivos utópicos de querer cambiar la relación de uno con el arte y subrayar el ingenio de los objetos y acciones cotidianos. Los principales miembros del grupo Dick Higgins, Jackson Mac Low y Al Hans se conocieron en la clase de 1959 de Cage en la New School. Los artistas de Fluxus a menudo usaban el humor para socavar y descartar el arte elevado. George Maciunas, el fundador de Fluxus, describió a Fluxus como "una fusión de Spike Jones, bromas, juegos, vodevil, Cage y Duchamp". Fluxus fue un movimiento internacional que también incluyóYoko Ono,Nam June Paiky Joseph Beuys. Paik fue pionero en el desarrollo deVideoarte, cuando presentó su video de la visita del Papa a Nueva York como una obra de arte seria en 1965.

Arte pop y fotorrealismo (mediados de la década de 1950 a 1970)

Pop Art era un movimiento internacional que había comenzado en Gran Bretaña en 1952, liderado por el Grupo Independiente, incluyendoricardo hamilton,eduardo paolozzi, y los arquitectos Alison y Peter Smithson, pero la versión americana se convirtió en la forma dominante y que marcó tendencia. Dirigido porAndy Warhol,Roy Lichtenstein,Claes Oldemburgo, yjames rosenquist, los artistas utilizaron imágenes tomadas de los medios de comunicación y la cultura popular para desafiar la distinción entre arte "alto" y "bajo" y para criticar y celebrar la cultura de consumo.Warhol,rosenquist, yEd Ruschafueron influenciados por sus primeros trabajos como diseñadores gráficos e ilustradores.

Fotorrealismo, también llamado Hiperrealismo, pintaba imágenes fotográficas proyectadas en un lienzo grande, a menudo con un aerógrafo, para parecerse a una fotografía terminada.ricardo estes,Mandril Cerrar,Roberto Bechtle,ralph goings, yaudrey flackse basó en diferentes influencias, incluyendoArte popyminimalismo, y emplearon una variedad de técnicas, ya que trabajaron independientemente unos de otros. A menudo representaban objetos de la cultura de consumo, como en Ralph Goings.Recogida de McDonald's(1970) o de Richard EstesFerretería Suprema(1970).

Minimalismo y Post-Minimalismo (1960 - Presente)

En Nueva York a principios de la década de 1960,minimalistaartistas comodonald judd,carl andré,Sol LeWitt, yroberto morriscreó obras a partir de materiales industriales empleando un enfoque frío y anónimo. Influenciado porConstructivismo RusoLos minimalistas enfatizaron la materialidad del medio tal como lo percibe el espectador y prefirieron los materiales y la fabricación industriales. Rechazando la concepción formalista de la pintura de Greenberg, enfatizaron un enfoque que, utilizando un mínimo de forma, color y otros elementos, también se denominó "Pintura sistémica" o "Arte reductivo".franco estela,tony smith,ricardo serra,Ronald Bladen, yy flavinse asociaron con el movimiento que rápidamente se volvió dominante en Estados Unidos e internacionalmente, mientras informaban otros desarrollos, incluyendoPosminimalismoy elMovimiento de luz y espacio.

Posminimalismoincluía una serie de tendencias, entre ellasArte de proceso,ActuaciónyArte Corporal,Arte específico del sitioy algunos aspectos deArte conceptual. crítico de arteLucy LippardcuradoAbstracción excéntricaen 1968, una exposición que incluía obras deLuisa burguesa,eva hesse, ybruce nauman, cuyas piezas estaban hechas de materiales blandos o flexibles. Algunos artistas asociados con el posminimalismo extendieron el interés minimalista por los objetos anónimos y abstractos a otras áreas, mientras que otros reaccionaron contra el enfoque anónimo y frío del minimalismo a favor de la expresión emocional. Lynda Benglis, Eva Hesse y Louise Bourgeois utilizaron resinas y látex, mientrasnancy tumbasutilizó materiales para simular pieles de animales, y las obras resultantes crearon un efecto expresivo orgánico.Sol LeWitt,ricardo serra, yVito Acconcitambién fueron incluidos entre los posminimalistas.

Con sede en California e influenciado por el minimalismo,Roberto IrwinComenzó a crear grandes instalaciones utilizando fuentes de luz en 1969 y fue pionero en lo que se conoció como elMovimiento de luz y espacio.campana larry,james turrell, John McCracken y Helen Pashgian estaban todos asociados con el movimiento que usaba materiales industriales, incluidas luces de neón y argón, acrílico fundido y resinas de poliéster para crear experiencias perceptivas. Basándose en nuevas investigaciones y tecnologías científicas, crearon obras que enfatizaban la interacción de la luz y el espacio.

Arte de la Tierra y Arte Ambiental (década de 1960 - presente)

También llamado Land Art o Earthworks,Arte de la Tierrafue una consecuencia del minimalismo, ya que la tierra misma se convirtió tanto en el objeto material como en el sitio específico para el arte, y los artistas usaron los materiales naturales disponibles en el sitio, como barro, tierra y piedra, para diseñar proyectos a gran escala que estaban relacionados con la importancia del sitio. El Earth Art, que a menudo incluía algún elemento de actuación, compartía ciertas tendencias con el posminimalismo, entre ellasArte de actuación,proceso de arte, yArte de instalación. La exposición Earth Art de 1969 en la Universidad de Cornell, que incluye las obras deRoberto Smithson,Walter de María,miguel heizer,roberto morris,dennis oppenheim, yHans Hacke, lanzó el movimiento. Los artistas, como Smithson, a menudo se inspiraron en sitios antiguos, incluidos Stonehenge o el Montículo de la Serpiente de los nativos americanos, y vieron sus obras como sujetas a condiciones cambiantes y entropía, la devolución de un sistema a lo largo del tiempo.nancy holt,Ricardo largo,agnes denes, yAndy Goldsworthytambién fueron destacados artistas de Earth Work.

El movimiento influyó en el desarrollo deArte Ambiental, también conocido como arte ecológico. Al enfatizar un enfoque no invasivo, los artistas ambientales se vieron a sí mismos colaborando con el medio ambiente y explorando la interacción humana con los entornos naturales.Betty Beaumont,Andy Goldsworthy,agnes denes,Meg Webster,olafur eliasson,Herman de Vries,nils udo, yChris Jordanson los principales artistas del movimiento. Emplearon una variedad de enfoques; Beaumont transformó los desechos de una planta de energía en un arrecife submarino en suPunto de referencia del océano(1978-80), mientras que Goldsworthy, durante un período de cuatro años, trabajando, como él decía, "en colaboración con la naturaleza", dispuso piezas de piedra caliza de los campos donde trabajaba como jardinero para crear suConos Pinfold(1981-85).

Postmodernismo (década de 1960 - presente)

En la década de 1960, reinaba una atmósfera embriagadora de experimentación que condujo al desarrollo deArte conceptual,Arte Feminista,Arte Corporal, yArte de actuación. Aunque estos movimientos artísticos fueron internacionales, los artistas estadounidenses desempeñaron un papel importante en su desarrollo y su posterior expansión en una serie de tendencias.

Influenciado por la simplicidad reductiva del minimalismo, el arte conceptual enfatizó que el concepto de una obra era más importante que su forma o incluso su finalización.Sol LeWitt"Párrafos sobre el arte conceptual" (1967) se convirtió en elde hechomanifiesto del movimiento; escribió que la obra de arte "no importa qué forma tenga finalmente, debe comenzar con una idea".Walter de María,Ed Ruscha,Marina Abramovic,dan graham, y el artista alemánjose beuysfueron solo algunos de los principales artistas que se convirtieron en parte del movimiento. En la atmósfera de experimentación, se desarrollaron nuevas tendencias, incluyendoCrítica institucional, dirigido por una variedad internacional de artistas, incluidosHans Hacke,miguel asher,daniel buren, yMarcel Broodthaers, yLa generación de imágenes, incluidosherrie levine,cindy sherman,Roberto Longo,Bárbara Kruger, yricardo principe. Varios artistas conceptuales crearon piezas de instalación, comoArte de instalaciónse convirtió en una tendencia primaria, empleada en una serie de movimientos. Además prácticas conceptuales informadasNeo Geo, o Neo-Geometric Conceptualism, término que definió las obras depedro haley,ashley bickerton,jeff koons, yMeyer Vaismandespués de su exposición de 1986 en Nueva York. Usando estrategias de apropiación, el grupo usó formas geométricas para distanciarse irónicamente de la pintura abstracta, al mismo tiempo que usaba trabajos anteriores como ready-mades que podían ser apropiados.

A partir del movimiento por los Derechos Civiles, el movimiento emergente del Orgullo Gay y el fervor contra la guerra,Arte Feministadesarrollado a finales de la década de 1960. Las organizaciones artísticas de mujeres como Art Worker's Coalition y Women Artists in Revolution se formaron para abordar la desigualdad de género y otros problemas feministas dentro de la comunidad artística.judy chicagoyMiriam Schapirofundó el Proyecto de Arte Feminista del Instituto de Arte de California ycasa de mujer, un proyecto donde las mujeres artistas podían colaborar y crear grandes instalaciones.María Beth Edelson,lynda benglis,marta rosler,carolee schneeman,Suzanne Lacy,leslie labowitz,bia lowe,Bárbara Kruger, ylas chicas guerrillerasfueron artistas feministas líderes, ya que el movimiento exploró diversos enfoques, y los artistas involucrados se asociaron con varios movimientos simultáneamente. Judy Chicago se hizo famosa por suFiesta de cena(1974-79), un ejemplo icónico tanto del Arte Feminista como del Arte de Instalación, mientras que las actuaciones de Carolee Schneemann fueron pioneras en los movimientos Feminista, Body Art y Performance. El arte feminista apoyó e inspiró activamente el desarrollo dearte raro, centrado en la identidad queer y conectado con el movimiento del Orgullo Gay y la crisis del SIDA, y marcó el comienzo de una era deArte Identitario y Políticas Identitariasque se centró en la experiencia de los grupos marginados y las desigualdades a las que se enfrentaban.

En los años 1960,Arte de performanceenfatizó eventos en vivo donde el artista, a veces con colaboradores o artistas, borró todos los límites entre el artista y la obra de arte. El movimiento internacional se basó en una serie de tendencias vanguardistas tempranas, que incluyendadá,futurismo, ySurrealismo, pero se obtuvo más recientemente en las obras de 1950 dejuan jaula,Artistas Fluxus, yLos sucesos de Allan Kaprow. Poniendo en escena lo que a veces se llamaba "acciones", los artistas de performance a menudo se enfrentaban a la audiencia. El movimiento estuvo íntimamente ligado al desarrollo deArte Corporal, como artistas estadounidenses, incluidosChris carga,carolee schneeman, yhannah wilke, emplearon su propio cuerpo como medio.

Recursos útiles sobre el arte estadounidense